黄昏センチメンタル
世界は美しい
数年前の写真を見ても、やはり冬の光を追いかけている。
少しオレンジがかったクリアな光、はっきりとした影。
都市部の多様な空間構造と暖かい光が作り出す複雑な光景が、視神経に新鮮な刺激を与えてくれるからだろうか。
それともただただ単純に「世界は美しい」と思える瞬間だからだろうか。
撮っている時はそんなことは考えずに反応するように撮っているのだけれど、自分がなぜその光景に反応するのかを分析することは、自分の作品を考える上で重要なステップだと思う。
少しオレンジがかったクリアな光、はっきりとした影。
都市部の多様な空間構造と暖かい光が作り出す複雑な光景が、視神経に新鮮な刺激を与えてくれるからだろうか。
それともただただ単純に「世界は美しい」と思える瞬間だからだろうか。
撮っている時はそんなことは考えずに反応するように撮っているのだけれど、自分がなぜその光景に反応するのかを分析することは、自分の作品を考える上で重要なステップだと思う。
新宿、池袋
太陽の傾き、光の感覚
昨日のように空気の澄んだ日に街を歩くと、美しい色ばかりを追いかけてしまう。
空の青、反射した光、オレンジに染められたビル。
何の変哲もない光景がドラマチックに輝く瞬間が好きだ。
平凡な毎日に色を添えるドラマのようなもの、なのかもしれない。
空の青、反射した光、オレンジに染められたビル。
何の変哲もない光景がドラマチックに輝く瞬間が好きだ。
平凡な毎日に色を添えるドラマのようなもの、なのかもしれない。
新宿、池袋、大塚
写真は見たまま写ると思っている人も多いけれど、実際には人間の目のラチチュード（明るいところから暗いところまで見える幅）の半分程度しか写せない。
どの明るさの部分をしっかり捉えたいか、それを選択するのが個性だと思う。
だから光が強くコントラストが強い日の露出設定は非常に気を遣う。
カメラ任せにして”自分のあずかり知らぬ”ところで自動的に調整されるのが気持ち悪いのだ。
感度分の16を基準にして、時間の経過とともに傾く太陽に合わせて少しずつ明るくしていく。
そういう撮り方をしていると、日の傾きと降り注ぐ光の量を計測しながら歩いているような感覚に襲われる。
日時計を発明した人の気持ちが少しだけわかるような、そんな感覚。
太古の人々の方が、自分の住んでいる街や世界をもっと大きなスケールで捉えていたのではないだろうか。
文明の発達と共に想像力や人間の本来持っている感覚は鈍っていく。
光に敏感になることで、少しは本来持っている感覚を思い出せているのだろうか。
どの明るさの部分をしっかり捉えたいか、それを選択するのが個性だと思う。
だから光が強くコントラストが強い日の露出設定は非常に気を遣う。
カメラ任せにして”自分のあずかり知らぬ”ところで自動的に調整されるのが気持ち悪いのだ。
感度分の16を基準にして、時間の経過とともに傾く太陽に合わせて少しずつ明るくしていく。
そういう撮り方をしていると、日の傾きと降り注ぐ光の量を計測しながら歩いているような感覚に襲われる。
日時計を発明した人の気持ちが少しだけわかるような、そんな感覚。
太古の人々の方が、自分の住んでいる街や世界をもっと大きなスケールで捉えていたのではないだろうか。
文明の発達と共に想像力や人間の本来持っている感覚は鈍っていく。
光に敏感になることで、少しは本来持っている感覚を思い出せているのだろうか。
早朝の月、黄昏の斜光、夕暮の空
コニカミノルタを出てから少し寄り道をして、早めに帰途に着く。
池袋から一駅歩く。
午後3時の光は完全に冬の光になっていた。
斜光は街をドラマチックに演出する。
やはり冬の黄昏光が好きだ。
（この写真は後日。）
部屋に着き、ベランダに出る。
空気が澄んでいるため赤みはさほど強くないものの、昼と夜の間の色は魅力的だ。
早朝の月、黄昏の斜光、夕暮の空。
贅沢な一日だった。
池袋から一駅歩く。
午後3時の光は完全に冬の光になっていた。
斜光は街をドラマチックに演出する。
やはり冬の黄昏光が好きだ。
（この写真は後日。）
部屋に着き、ベランダに出る。
空気が澄んでいるため赤みはさほど強くないものの、昼と夜の間の色は魅力的だ。
早朝の月、黄昏の斜光、夕暮の空。
贅沢な一日だった。
701
コニカミノルタプラザにて「竹下太郎写真展 望郷」を見る
コニカミノルタへ「竹下太郎写真展 望郷」を見に行く。
http://konicaminolta.jp/plaza/schedule/2007october/gallery_b_071023.html
竹下君は2Bでは先輩、人生においては後輩。
弱冠二十歳の学生だが、浮ついたところのない写真に好感が持てる。
全体的にトーンが綺麗で、モノクロの写真として美しいと思った。
暗い写真のトーンが独特で、何度も見ているうちに視線の先が思考へと向かう。
モノクロで写真を撮るということは、情報を落とすこと。
情報を落とすことこそが表現だ、とは鬼海さんの言葉。
そう考えると暗い中に像がぎりぎり浮かんでいる写真に惹かれる理由がなんとなくわかる。
日曜の午後ということもあって盛況だったが、ゆっくり話ができた。
キャプションに”生まれ育った東京に「故郷」を感じない”とあり、そのことについて話した。
彼が生まれ育ったのは、僕がよく写真を撮り歩く街だ。
異国の地に故郷を感じる彼と、（形式上）彼の故郷であるはずの土地に親近感を覚える僕。
不思議なものだな、と思う。
僕自身は自分の生まれ育った環境を「故郷」として強く意識している。
それは家を出て一人暮らしを始め、神戸に移り、東京へと少しずつ遠く離れてきたからかもしれない。
故郷というのは、一度離れてみないと認識できないものなのだろうか？
だとしたら、今後彼がどこか別の場所に住み、ふと生まれ育った東京の街を「故郷」と思える日が来るのだろうか？
5年後、10年後の同じシリーズの写真には、きっと写真的美しさ以上の何かが詰まっていることだろう。
今後の活躍に期待したい。
http://konicaminolta.jp/plaza/schedule/2007october/gallery_b_071023.html
竹下君は2Bでは先輩、人生においては後輩。
弱冠二十歳の学生だが、浮ついたところのない写真に好感が持てる。
全体的にトーンが綺麗で、モノクロの写真として美しいと思った。
暗い写真のトーンが独特で、何度も見ているうちに視線の先が思考へと向かう。
モノクロで写真を撮るということは、情報を落とすこと。
情報を落とすことこそが表現だ、とは鬼海さんの言葉。
そう考えると暗い中に像がぎりぎり浮かんでいる写真に惹かれる理由がなんとなくわかる。
日曜の午後ということもあって盛況だったが、ゆっくり話ができた。
キャプションに”生まれ育った東京に「故郷」を感じない”とあり、そのことについて話した。
彼が生まれ育ったのは、僕がよく写真を撮り歩く街だ。
異国の地に故郷を感じる彼と、（形式上）彼の故郷であるはずの土地に親近感を覚える僕。
不思議なものだな、と思う。
僕自身は自分の生まれ育った環境を「故郷」として強く意識している。
それは家を出て一人暮らしを始め、神戸に移り、東京へと少しずつ遠く離れてきたからかもしれない。
故郷というのは、一度離れてみないと認識できないものなのだろうか？
だとしたら、今後彼がどこか別の場所に住み、ふと生まれ育った東京の街を「故郷」と思える日が来るのだろうか？
5年後、10年後の同じシリーズの写真には、きっと写真的美しさ以上の何かが詰まっていることだろう。
今後の活躍に期待したい。
四谷
夜明け前の月
台風一過の空は青く澄むだろう、そう思って眠りについたら早朝に目が覚めた。
ひんやりと寒い。
ベランダに出てみると、月が浮かんでいた。
まだ夜の暗さの残る中、白く輝きながら浮かんでいた。
夢なのか現実なのか区別が付かないほどに美しい世界。
写真を撮っていなかったら夢だと思ったかもしれない。
ひんやりと寒い。
ベランダに出てみると、月が浮かんでいた。
まだ夜の暗さの残る中、白く輝きながら浮かんでいた。
夢なのか現実なのか区別が付かないほどに美しい世界。
写真を撮っていなかったら夢だと思ったかもしれない。
701
DVD
ほとんど一日中部屋の中で過ごした日。
こういう日は珍しい。
随分前に買っていた映画のDVDを見た。
外の雨音と効果音の雨音が重なって妙にリアリティのある時間を過ごした。
最近買ったCDの初回特典で付いていたDVDを見た。
前に見たことのあるPVだったが、不覚にもまた涙してしまった。
渋谷
こういう日は珍しい。
随分前に買っていた映画のDVDを見た。
外の雨音と効果音の雨音が重なって妙にリアリティのある時間を過ごした。
最近買ったCDの初回特典で付いていたDVDを見た。
前に見たことのあるPVだったが、不覚にもまた涙してしまった。
渋谷
Night Walk
雨音
雨か霧かわからない天気。
今日はすかっと晴れてほしかったなぁ、と思いながらも、霧の中に遠く浮かぶビルを美しいと思い、E-410で数枚写真を撮る。
一日の始まり。
少しこの先の生き方が変わるかもしれない大切な日。
夜、霧は雨に変わった。
精神的プレッシャーから開放され、久しぶりにタクシーで帰宅。
東京駅から護国寺まで、案外近いことに気づく。
東京に来て、大阪にいた頃よりも人脈の大切さを痛感するようになった。
良い意味でも悪い意味でも大阪は一地方都市のコミュニティ的な部分があったのだろう。
東京で出会う人は、出身もバックグラウンドも様々だ。
そのことがかえってその人の持つ本質的な魅力に目を向かわせることになる。
東京の街を歩いていると、ほんとにたくさんの人がその瞬間を一生懸命生きているんだなぁ、と思うことがある。
その中のごくごく一部の人と、偶然何かのきっかけで親しくなり、人生が変わることがある。
その不思議を思うと、ただただ感動を覚える。
張り詰めていたものが少しだけ緩み、雨音が心地よく心に響く。
夜の雨、嫌いじゃないな。
今日はすかっと晴れてほしかったなぁ、と思いながらも、霧の中に遠く浮かぶビルを美しいと思い、E-410で数枚写真を撮る。
一日の始まり。
少しこの先の生き方が変わるかもしれない大切な日。
夜、霧は雨に変わった。
精神的プレッシャーから開放され、久しぶりにタクシーで帰宅。
東京駅から護国寺まで、案外近いことに気づく。
東京に来て、大阪にいた頃よりも人脈の大切さを痛感するようになった。
良い意味でも悪い意味でも大阪は一地方都市のコミュニティ的な部分があったのだろう。
東京で出会う人は、出身もバックグラウンドも様々だ。
そのことがかえってその人の持つ本質的な魅力に目を向かわせることになる。
東京の街を歩いていると、ほんとにたくさんの人がその瞬間を一生懸命生きているんだなぁ、と思うことがある。
その中のごくごく一部の人と、偶然何かのきっかけで親しくなり、人生が変わることがある。
その不思議を思うと、ただただ感動を覚える。
張り詰めていたものが少しだけ緩み、雨音が心地よく心に響く。
夜の雨、嫌いじゃないな。
主を待つ
淡々と流れる
帰り道、ふと見上げると月が眩しい。
気温が低いせいだろう。
心地よい季節はあっという間に過ぎ去っていく。
陽射しの恋しい季節は、もう目の前だ。
去年の今頃どんな写真を撮っていたのか、ふと気になって調べてみた。
ちょうど大正湯が取り壊された直後で、毎日のように瓦礫の山を撮っていた時期だ。
1年経って、跡地の駐車場にも見慣れてきた。
そこにみんなが集う憩いの空間があったことを、どれだけの人が覚えているのだろうか？
ふと不安に思うことがある。
ここ数ヶ月で、周囲の古い家の建て替えが急激に進んでいるように思う。
戦前から残る路地が点在するこの街も、10年後の姿は激変しているかもしれない。
写真はその時の記憶を鮮明に浮かび上がらせるが、現実の世界は淡々と流れていく。
寂しい気もするが、それはきっといいことなのだろう。
今はそう信じたい気分だ。
気温が低いせいだろう。
心地よい季節はあっという間に過ぎ去っていく。
陽射しの恋しい季節は、もう目の前だ。
去年の今頃どんな写真を撮っていたのか、ふと気になって調べてみた。
ちょうど大正湯が取り壊された直後で、毎日のように瓦礫の山を撮っていた時期だ。
1年経って、跡地の駐車場にも見慣れてきた。
そこにみんなが集う憩いの空間があったことを、どれだけの人が覚えているのだろうか？
ふと不安に思うことがある。
ここ数ヶ月で、周囲の古い家の建て替えが急激に進んでいるように思う。
戦前から残る路地が点在するこの街も、10年後の姿は激変しているかもしれない。
写真はその時の記憶を鮮明に浮かび上がらせるが、現実の世界は淡々と流れていく。
寂しい気もするが、それはきっといいことなのだろう。
今はそう信じたい気分だ。
大塚・大正湯跡地
Night Walk
壊れたものに惹かれるのは
全てが永遠に続くわけではない。
頭ではわかっていても、このまま続くように思ってしまう。
壊れたものに惹かれるのは、そんな心に警鐘が鳴らされるからだろうか。
今壊れずにある全てのものを、愛しく感じられるからだろうか。
頭ではわかっていても、このまま続くように思ってしまう。
壊れたものに惹かれるのは、そんな心に警鐘が鳴らされるからだろうか。
今壊れずにある全てのものを、愛しく感じられるからだろうか。
南池袋
Night Walk
このシリーズの撮影で使用したカメラとレンズは下記の通り。
Zeiss Ikon
Biogon 35mm ZM F2
Planar 50mm ZM F2.0
CONTAX G2
Biogon 21mm F2.8
Planar 45mm F2.0
Leica iiif
Elmar 50mm F2.8
Elmar 50mm F3.5
Nikon FM3A
Planar 50mm ZF F1.4
Olympus OM-1
Zuiko 50mm F1.4
Rolleiflex 3.5F
Planar 75mm F3.5
なぜこんなにたくさんのレンズを使ったかと言うと、先日のエントリーにも書いたようにレンズの特性を確かめたかったからだ。
最初は気にならなかった内面反射によるものと思われるゴーストも、一度気づいてしまうとできれば発生しないレンズで撮りたいと思うようになった。
画面端のフレアも、できればあまり出ないレンズで撮りたい。
Zeiss Ikonから始まったレンズ探しの旅は、結局どのレンズでも同じような傾向が見られたため、最終的にまたZeiss Ikonに行き着くことになる。
プラナータイプのレンズは絞り値に関係なく、点光源のゴーストが画面中心を基準とした点対称の位置に現れる。
この現象は上記のどのレンズにも現れたが、特に顕著だったのはG2のPlanar 45mm。
解像度やボケに関して最も優秀だと思っていたレンズが、一番激しくゴーストが現れる結果となった。
（その前にG2は暗闇ではAFがなかなか合わない、という問題もあったのだが。）
逆に最も現象が現れにくかったのが、ニコンマウントのPlnaar 50mm ZF。
口径の大きさのおかげか、設計が新しいからなのかは不明だが、他のレンズに比べると極端に発生率が低かった。
普段レンズの欠点など欠点と思わずに使用しているのだが、夜の黒の中に入る白いゴーストは、埃のように見えてしまうためかなり気を遣った。
ビオゴンタイプのレンズは点光源が画面端にあると、鳥の羽のようなフレアが発生する。
そのことに気づいてから、渡部さとる師匠に話をしたら、ハッセルSWC用のビオゴンでも同じ現象が現れるとのことだった。
ただこの現象に関しては、点対象に現れるゴーストほど気にならなかったため、あまり検証していない。
傾向がわかってからは画面端に点光源が入る場合に少し気を遣って構図を決めるようにしていた。
結局友人を撮った日に使用したのはZeiss IkonにBiogon 35mm ZM F2.0とPlanar 50mm ZM F2.0。
街を撮る時はBiogonを主に使用した。
友人を撮る時はPlanarを主に使用した。
Planarの使用は点光源のゴーストが出る危険性はあったが、どうしてもPlanarのあのボケで撮りたかったのだ。
どのレンズでも撮る写真によっては大差ない場合もあるのだろうが、夜のように条件が悪い場合、レンズ選びも作品作りの重要なステップなのだと思う。
写真展で本との出会い
「アメリカの現代写真
」という本を読んでいる。
60年代から80年代にかけての写真家を通じて、アメリカの写真を紐解こうとする試論だ。
書かれたのが86年だから、デジタルの話もWebの話も出てこない。
しかしフランク、クラインからコンテンポラリー・フォトグラファー、コンセプチュアルアートとの境界、ニューカラーまで網羅されていて、非常におもしろい。
この本は、グループ展を見に来てくれた友人の旦那さんがくれたものだ。
僕の写真を見て「是非読んでもらいたい！」とすぐに送ってくれた。
とてもありがたいことだ。
写真を展示することで、人との出会いだけでなく、本との出会いもあったというわけだ。
」という本を読んでいる。60年代から80年代にかけての写真家を通じて、アメリカの写真を紐解こうとする試論だ。
書かれたのが86年だから、デジタルの話もWebの話も出てこない。
しかしフランク、クラインからコンテンポラリー・フォトグラファー、コンセプチュアルアートとの境界、ニューカラーまで網羅されていて、非常におもしろい。
この本は、グループ展を見に来てくれた友人の旦那さんがくれたものだ。
僕の写真を見て「是非読んでもらいたい！」とすぐに送ってくれた。
とてもありがたいことだ。
写真を展示することで、人との出会いだけでなく、本との出会いもあったというわけだ。
Night Walk
写真集の値段と仮想空間の経済
写真集は気になった時が買い時だ。
相当有名な人の写真集でなければ、再版される可能性は低い。
後で買おうと思ってもなかなか見つけられない。
見つかったと思ったらプレミアがついてしまっていることが多い。
ただ、その時は気になった程度で買わないと判断したのに、後から気になる写真集というのがある。
Amazonで調べてみると、既にプレミアが付いている。
Web上で古本を探してもなかなか見つからない。
そうなると俄然気になり始める。
ということで昨日今日と数件書店を探し回ったところ、あまり有名ではない店舗にて2冊発見。
ついでにその作家のほかの作品も発見。
価格は1万円ちょっと。
いずれもAmazonでは3万円台後半〜4万円台後半の値段が付いている。
Web上で見つからないものを街で探すことは難しい。
地方都市に住んでいたなら、今回のようにすぐには見つからなかっただろう。
もし街でその写真集を見つけることが出来ず、なおかつ別の出品者が2万5千円の値段をつけたとしたら、その値段で買う人もいるだろう。
仮想空間の経済が、現実社会の経済とは全く違う文脈で成り立っている理由を垣間見た出来事だった。
相当有名な人の写真集でなければ、再版される可能性は低い。
後で買おうと思ってもなかなか見つけられない。
見つかったと思ったらプレミアがついてしまっていることが多い。
ただ、その時は気になった程度で買わないと判断したのに、後から気になる写真集というのがある。
Amazonで調べてみると、既にプレミアが付いている。
Web上で古本を探してもなかなか見つからない。
そうなると俄然気になり始める。
ということで昨日今日と数件書店を探し回ったところ、あまり有名ではない店舗にて2冊発見。
ついでにその作家のほかの作品も発見。
価格は1万円ちょっと。
いずれもAmazonでは3万円台後半〜4万円台後半の値段が付いている。
Web上で見つからないものを街で探すことは難しい。
地方都市に住んでいたなら、今回のようにすぐには見つからなかっただろう。
もし街でその写真集を見つけることが出来ず、なおかつ別の出品者が2万5千円の値段をつけたとしたら、その値段で買う人もいるだろう。
仮想空間の経済が、現実社会の経済とは全く違う文脈で成り立っている理由を垣間見た出来事だった。
新宿
Night Walk
雨上がりの空は
Night Walk
静かな夜にシャッター音だけが響く。
思索の時間、無心の時間。
夜というのは写真を撮る条件としては決して良い条件ではない。
光の少ない、あまり恵まれない条件だからこそ見えてくるものがある。
G2は良いカメラだが、暗闇ではAFが思うように合ってくれない。
夜の街で一眼レフは街行く人々に警戒心を与える、、、などなど。
中でも特に驚いたのが、レンズの特性。
レンズにとっても過酷な条件なのだろう。
プラナータイプのレンズはことごとく点光源が画面内の点対称の位置にゴーストとして現れる。
ビオゴンタイプは周辺部に点光源があると、鳥の羽のようなフレアが発生する。
絞りの値を変えてみても、あまり現象の現れる度合いには影響がない。
レンズメーカーや製造年による差はあるものの、手持ちのレンズ全てにおいて共通して見られた傾向だ。
東京で撮り歩いた写真がなければ、こうしたレンズの特性を把握することはできなかった。
技術的な面においても、やはりこれら東京の夜の写真群が神戸の夜の写真につながった、と言えるのではないだろうか。
思索の時間、無心の時間。
夜というのは写真を撮る条件としては決して良い条件ではない。
光の少ない、あまり恵まれない条件だからこそ見えてくるものがある。
G2は良いカメラだが、暗闇ではAFが思うように合ってくれない。
夜の街で一眼レフは街行く人々に警戒心を与える、、、などなど。
中でも特に驚いたのが、レンズの特性。
レンズにとっても過酷な条件なのだろう。
プラナータイプのレンズはことごとく点光源が画面内の点対称の位置にゴーストとして現れる。
ビオゴンタイプは周辺部に点光源があると、鳥の羽のようなフレアが発生する。
絞りの値を変えてみても、あまり現象の現れる度合いには影響がない。
レンズメーカーや製造年による差はあるものの、手持ちのレンズ全てにおいて共通して見られた傾向だ。
東京で撮り歩いた写真がなければ、こうしたレンズの特性を把握することはできなかった。
技術的な面においても、やはりこれら東京の夜の写真群が神戸の夜の写真につながった、と言えるのではないだろうか。
夜明け前
Night Walk
毎日通る道。
たくさん写真を撮った場所。
なのに夜の風景は、そのイメージを一変させるほどの力強い写真を生み出す。
夜の写真を撮るのは、ほとんどがZeiss Ikonだった。
レンジファインダー機の方がミラーショックによるブレが少ない。
Zeiss Ikonのはっきりとした二重像は夜でもピント合わせが容易だ。
露出は絞りを2.0、シャッタースピードを1/15、ISO400。
おおよそ10段落ちを基準として、あとは勘。
AEで撮った夜の写真は、明るく写りすぎる。
本当はそんなに見えていない部分までも写そうとする。
10段落ちを基準に、どこでもほぼ同じ露出にすることで、夜の暗い部分と見えている部分のぎりぎりの境界がネガに写る。
そのぎりぎりの部分を、僕はとても美しいと思う。
たくさん写真を撮った場所。
なのに夜の風景は、そのイメージを一変させるほどの力強い写真を生み出す。
夜の写真を撮るのは、ほとんどがZeiss Ikonだった。
レンジファインダー機の方がミラーショックによるブレが少ない。
Zeiss Ikonのはっきりとした二重像は夜でもピント合わせが容易だ。
露出は絞りを2.0、シャッタースピードを1/15、ISO400。
おおよそ10段落ちを基準として、あとは勘。
AEで撮った夜の写真は、明るく写りすぎる。
本当はそんなに見えていない部分までも写そうとする。
10段落ちを基準に、どこでもほぼ同じ露出にすることで、夜の暗い部分と見えている部分のぎりぎりの境界がネガに写る。
そのぎりぎりの部分を、僕はとても美しいと思う。
Night Walk
グループ展に出した写真は、12年来の友人と夜の街の写真だった。
その友人と最も多くの時間を過ごしたのは、夜の街だ。
それまで夜の写真を集中的に撮ったことはなかった。
見慣れているのにその美しさに気づいていないものを、写真に撮ってしっかりと残しておきたいと思った。
友人は大阪に住んでいる。
友人を頻繁に撮ることはできないが、東京の夜をたくさん撮ることは出来る。
年明けに展示の方向性を決めてからは、ひたすら夜の街を歩いた。
ゴールデンウィークに友人と会った。
一番多くの時間を過ごした神戸の夜。
三ノ宮で待ち合わせて、よく訪れていた店で食事した。
たくさんの写真を撮った。
展示する写真は、1枚を除いて全てその日に撮った写真にしようと決めた。
残る1枚も、年末に帰った際に撮った写真だ。
結局東京の夜を撮った写真は、1枚も採用しなかった。
東京の夜は意外に静かだ。
最初はブックや展示の構成を考えながら歩いていた。
途中からは友人のことを考えながら歩くようになった。
展示するための写真を撮ろうと思っていたのに、いつの頃からかそんなことはどうでもよくなっていた。
展示しなかった東京の夜の写真を、これから少しずつ公開していきます。
グループ展で展示した作品の裏側に隠れた、もう一つの物語。
その友人と最も多くの時間を過ごしたのは、夜の街だ。
それまで夜の写真を集中的に撮ったことはなかった。
見慣れているのにその美しさに気づいていないものを、写真に撮ってしっかりと残しておきたいと思った。
友人は大阪に住んでいる。
友人を頻繁に撮ることはできないが、東京の夜をたくさん撮ることは出来る。
年明けに展示の方向性を決めてからは、ひたすら夜の街を歩いた。
ゴールデンウィークに友人と会った。
一番多くの時間を過ごした神戸の夜。
三ノ宮で待ち合わせて、よく訪れていた店で食事した。
たくさんの写真を撮った。
展示する写真は、1枚を除いて全てその日に撮った写真にしようと決めた。
残る1枚も、年末に帰った際に撮った写真だ。
結局東京の夜を撮った写真は、1枚も採用しなかった。
東京の夜は意外に静かだ。
最初はブックや展示の構成を考えながら歩いていた。
途中からは友人のことを考えながら歩くようになった。
展示するための写真を撮ろうと思っていたのに、いつの頃からかそんなことはどうでもよくなっていた。
展示しなかった東京の夜の写真を、これから少しずつ公開していきます。
グループ展で展示した作品の裏側に隠れた、もう一つの物語。
冬が近づいてきた
都会に生まれていたなら
エルスケンの「ニッポンだった」
を見ていると、たった50年でこれほどまでに街の風景は変貌してしまうのか、と愕然とする。
そういえば僕がまだ小さかった頃、（田舎だったこともあり）家の前の道は舗装されていなかった。
周りには水田がたくさんあって、これからの季節は稲刈りの終わった田んぼで追いかけっこをしていた。
今では舗装されていない道を見つけることの方が難しいし、周りにあった水田もほとんどなくなってしまった。
もし都会に生まれていたらこういう場所で遊んでいたのだろうな、と思う風景を、僕は写真に撮っているのかもしれない。
を見ていると、たった50年でこれほどまでに街の風景は変貌してしまうのか、と愕然とする。そういえば僕がまだ小さかった頃、（田舎だったこともあり）家の前の道は舗装されていなかった。
周りには水田がたくさんあって、これからの季節は稲刈りの終わった田んぼで追いかけっこをしていた。
今では舗装されていない道を見つけることの方が難しいし、周りにあった水田もほとんどなくなってしまった。
もし都会に生まれていたらこういう場所で遊んでいたのだろうな、と思う風景を、僕は写真に撮っているのかもしれない。
大塚
作品を買われるということ（２）
グループ展で展示した作品とは別で、このブログに掲載した写真を欲しいと言ってくれた人がいた。
実は随分前にその意思をもらっていたのだが、今日やっとプリントを納品した。
時間がかかった理由は、Webで掲載した作品をしっかりと「作品として買ってもらう」ことに迷いがあったからだ。
画面上で見る画像とプリントとのイメージの乖離が、その人の満足度にどの程度影響を与えるか、それが心配だった。
Webで掲載したイメージというのは、見る人のモニタ環境によって随分違う。
それはWebの宿命でもある。
そのことを納得してもらえなければ、プリントすることはできないと思っていた。
結局そのことを納得してもらった上で、展示プリントの半分の値段に設定した。
マットを付けて、しっかりと作品として成立する形で納品した。
実際にプリントを手渡した際には喜んでもらえたが、思い描いていたであろうイメージとどこまで近かったのかは定かではない。
お金をいただく以上自分の持てる最大限を尽くしてプリントしたつもりだが、売る側の責任を痛感した瞬間だった。
作品を売るということは、買ってくれた人の満足を保証するということだ。
それは買ってもらった作品についてだけではない。
僕が作品を発表し続けることで、その人が持っているプリントの価値も上がるかもしれない。
そのことを期待して買ってくれているかどうかはわからないが、持っていて満足感を増すような作品でなければならないと思っている。
グループ展で展示する作品に値段を付けた時に、1枚でも作品が売れたら作品を買ってくれた人のためにずっと写真を撮り続け、発表し続けようと決めていた。
それは自分自身へのハードルでもある。
その決意の重さが少しでもプリントに宿ってくれていれば良いな、と思う。
実は随分前にその意思をもらっていたのだが、今日やっとプリントを納品した。
時間がかかった理由は、Webで掲載した作品をしっかりと「作品として買ってもらう」ことに迷いがあったからだ。
画面上で見る画像とプリントとのイメージの乖離が、その人の満足度にどの程度影響を与えるか、それが心配だった。
Webで掲載したイメージというのは、見る人のモニタ環境によって随分違う。
それはWebの宿命でもある。
そのことを納得してもらえなければ、プリントすることはできないと思っていた。
結局そのことを納得してもらった上で、展示プリントの半分の値段に設定した。
マットを付けて、しっかりと作品として成立する形で納品した。
実際にプリントを手渡した際には喜んでもらえたが、思い描いていたであろうイメージとどこまで近かったのかは定かではない。
お金をいただく以上自分の持てる最大限を尽くしてプリントしたつもりだが、売る側の責任を痛感した瞬間だった。
作品を売るということは、買ってくれた人の満足を保証するということだ。
それは買ってもらった作品についてだけではない。
僕が作品を発表し続けることで、その人が持っているプリントの価値も上がるかもしれない。
そのことを期待して買ってくれているかどうかはわからないが、持っていて満足感を増すような作品でなければならないと思っている。
グループ展で展示する作品に値段を付けた時に、1枚でも作品が売れたら作品を買ってくれた人のためにずっと写真を撮り続け、発表し続けようと決めていた。
それは自分自身へのハードルでもある。
その決意の重さが少しでもプリントに宿ってくれていれば良いな、と思う。
作品を買われるということ（１）
グループ展で展示した作品には、値段をつけた。
部屋に飾って和むような作品ではなく、しっかりとその裏にあるストーリーや僕自身のことを知ってもらった上で買ってほしいとの思いから、少し高めに設定した。
商売をするわけではないので売れなければ売れないで良い。
「この人の作品だから」「この人の世界観に共感できるから」といった理由で買ってもらいたいと思っていた。
ふらっと立ち寄ってなんとなく買われるぐらいなら、しっかりと悩んだ挙句買われないほうが良い。
買った人が10年後にその写真を撮った作家の名前を忘れてしまうような売り方は、したくなかった。
展示作品はデジタルプリントだ。
フィルムで撮ってデジタルで出力している。
今回の作品は夜の写真で、黒の出方がインクジェットの黒の方が良かったことや、暗部にぎりぎり浮かび上がる像の美しさを作品間で統一するためには、デジタルである必要があった。
渡部さとる師匠からも、「もう銀塩プリントにこだわる必要がない」と講評いただいた。
銀塩至上主義のような人からすると、デジタルで出力されたものを買うことに抵抗があるかもしれない。
しかし10年後、いやもしかすると5年後でさえも、今と全く同じものをプリントしようとすると、できない可能性が高いのではないか、と思っている。
今使っているハードウェアやインク、紙がなくなるスピードは、銀塩時代よりも格段に速いからだ。
そういう意味では銀塩であってもデジタルであっても、プリントされたものが一番大事だ、と言える。
展示の最終日、搬出直前。
作品を買いたいと言ってくれる人が現れた。
通りすがりの人ではなく、作品を何度も何度も見てくれていた人だ。
僕のこともよく知っている。
作品の世界観に共感してくれた上での決断だ。
ポストカードを買うような買い方とは対極にある買われ方だと思うと、とても嬉しかった。
2点以上の購入でブック（写真集）を付けるという条件。
ブックが欲しいとの理由で2点購入してくれた。
もともとブックをベースに考えていたので、そういう意味でもとても嬉しい。
ブックの製作にはプリント以上の手間がかかる。
全てのページのクオリティをしっかりと作品として認められるものにするため、連日プリントし続けている。
使った紙は最終アウトプットの2倍以上になった。
しかしそこまでしてこだわるのは、やはり買ってくれた人への責任なのだと思う。
生きていく上で必須ではないものに対して、決して安くないお金を払ってくれるのだ。
がっかりさせるわけにはいかない。
同時に、これから先の僕自身の活動に責任を持たなければならない、とも思う。
部屋に飾って和むような作品ではなく、しっかりとその裏にあるストーリーや僕自身のことを知ってもらった上で買ってほしいとの思いから、少し高めに設定した。
商売をするわけではないので売れなければ売れないで良い。
「この人の作品だから」「この人の世界観に共感できるから」といった理由で買ってもらいたいと思っていた。
ふらっと立ち寄ってなんとなく買われるぐらいなら、しっかりと悩んだ挙句買われないほうが良い。
買った人が10年後にその写真を撮った作家の名前を忘れてしまうような売り方は、したくなかった。
展示作品はデジタルプリントだ。
フィルムで撮ってデジタルで出力している。
今回の作品は夜の写真で、黒の出方がインクジェットの黒の方が良かったことや、暗部にぎりぎり浮かび上がる像の美しさを作品間で統一するためには、デジタルである必要があった。
渡部さとる師匠からも、「もう銀塩プリントにこだわる必要がない」と講評いただいた。
銀塩至上主義のような人からすると、デジタルで出力されたものを買うことに抵抗があるかもしれない。
しかし10年後、いやもしかすると5年後でさえも、今と全く同じものをプリントしようとすると、できない可能性が高いのではないか、と思っている。
今使っているハードウェアやインク、紙がなくなるスピードは、銀塩時代よりも格段に速いからだ。
そういう意味では銀塩であってもデジタルであっても、プリントされたものが一番大事だ、と言える。
展示の最終日、搬出直前。
作品を買いたいと言ってくれる人が現れた。
通りすがりの人ではなく、作品を何度も何度も見てくれていた人だ。
僕のこともよく知っている。
作品の世界観に共感してくれた上での決断だ。
ポストカードを買うような買い方とは対極にある買われ方だと思うと、とても嬉しかった。
2点以上の購入でブック（写真集）を付けるという条件。
ブックが欲しいとの理由で2点購入してくれた。
もともとブックをベースに考えていたので、そういう意味でもとても嬉しい。
ブックの製作にはプリント以上の手間がかかる。
全てのページのクオリティをしっかりと作品として認められるものにするため、連日プリントし続けている。
使った紙は最終アウトプットの2倍以上になった。
しかしそこまでしてこだわるのは、やはり買ってくれた人への責任なのだと思う。
生きていく上で必須ではないものに対して、決して安くないお金を払ってくれるのだ。
がっかりさせるわけにはいかない。
同時に、これから先の僕自身の活動に責任を持たなければならない、とも思う。
書店後タワレコ
いくつか写真展を見た後、大型書店にて写真集を立ち読み。
洋書の大判写真集は簡単に買える値段ではないため、欲しくても迷っているものがいくつもある。
アーバスやアベドンの写真はいつ見ても重い。
その重さが時代を超えていくのだろう。
その後タワレコへ。
新譜がいくつか出ていたのでまとめて購入。
ジャズとUKロックと邦楽。
なんとも節操がないが、自分の性格をよく表しているようにも思う。
しかしCDでもまとめて購入するとそれなりの金額になるのに、あまり抵抗感がないのは不思議なものだ。
洋書の大判写真集は簡単に買える値段ではないため、欲しくても迷っているものがいくつもある。
アーバスやアベドンの写真はいつ見ても重い。
その重さが時代を超えていくのだろう。
その後タワレコへ。
新譜がいくつか出ていたのでまとめて購入。
ジャズとUKロックと邦楽。
なんとも節操がないが、自分の性格をよく表しているようにも思う。
しかしCDでもまとめて購入するとそれなりの金額になるのに、あまり抵抗感がないのは不思議なものだ。
新宿
早朝の空
なんとなく目が覚めて、ベランダから空を見る。
頭は夢の中と光の中を行ったり来たり。
写真を撮った後、もう一度ベッドへ。
体は眠っているのに頭は回転し始める。
写真の事を考えたり、友人のことを考えたり。
このところ写真のことばかり考えている気がする。
あまりに偏りすぎると視野が狭くなってしまう。
久しぶりに新しい曲でも作ってみようかな。
頭は夢の中と光の中を行ったり来たり。
写真を撮った後、もう一度ベッドへ。
体は眠っているのに頭は回転し始める。
写真の事を考えたり、友人のことを考えたり。
このところ写真のことばかり考えている気がする。
あまりに偏りすぎると視野が狭くなってしまう。
久しぶりに新しい曲でも作ってみようかな。
701
思いの深さに魅せられる
グループ展を終えてから、改めて「私写真」ということについて考えていた。
私写真論
を再読。
この本が書かれた当時から、デジタルの世紀を向かえ、写真はさらにプライベートに向かっていく。
その源流について語られている。
牛腸茂雄の大規模な回顧展が東京国立近代美術館で行なわれたのが、2003年。
恐らく出張か何かで東京に来た際に、その展示を見ている。
展示を見る前から、「インパクトを与えられる写真ではないけれどどこか引っかかる写真」という印象を持っていた。
展示を見た後もその印象は変わらず、なんとなくその時に売っていたカタログを買っただけだった。
ところが今回改めて私写真論を読み、どうしても写真集が見たくなった。
幸い当時自費出版で少数製作されたもののリイシュー版が出ている。
内容は当時のものと同じで、飯沢耕太郎氏の詳細な解説がついている。
SELF AND OTHERS
部屋でじっくりと見ていると、何故か涙がこぼれそうになる。
何故かはうまく説明できない。
牛腸氏の人生を知ってしまったからかもしれないし、そんなこととは関係のない写真の力なのかもしれない。
しかし確実に牛腸氏が人生をかけて撮ったであろう写真は、その輝きをずっと失っていない。
大量に撮られ、大量に消費されていく写真と対極にある写真。
写真のことを深く考えれば考えるほど、1枚の写真にこめられた思いの深さに魅せられていく自分がいる。
私写真論
を再読。この本が書かれた当時から、デジタルの世紀を向かえ、写真はさらにプライベートに向かっていく。
その源流について語られている。
牛腸茂雄の大規模な回顧展が東京国立近代美術館で行なわれたのが、2003年。
恐らく出張か何かで東京に来た際に、その展示を見ている。
展示を見る前から、「インパクトを与えられる写真ではないけれどどこか引っかかる写真」という印象を持っていた。
展示を見た後もその印象は変わらず、なんとなくその時に売っていたカタログを買っただけだった。
ところが今回改めて私写真論
を読み、どうしても写真集が見たくなった。幸い当時自費出版で少数製作されたもののリイシュー版が出ている。
内容は当時のものと同じで、飯沢耕太郎氏の詳細な解説がついている。
SELF AND OTHERS
部屋でじっくりと見ていると、何故か涙がこぼれそうになる。
何故かはうまく説明できない。
牛腸氏の人生を知ってしまったからかもしれないし、そんなこととは関係のない写真の力なのかもしれない。
しかし確実に牛腸氏が人生をかけて撮ったであろう写真は、その輝きをずっと失っていない。
大量に撮られ、大量に消費されていく写真と対極にある写真。
写真のことを深く考えれば考えるほど、1枚の写真にこめられた思いの深さに魅せられていく自分がいる。
空を見る時間
グループ展の期間中はできるだけ長く在廊したいとの思いから、いろいろな面で少し無理をした。
そのしわよせか、生活のリズムが狂ってしまっていた。
その後の一週間でまたリズムが戻ってくると、外が明るくなると目が覚めるようになった。
早朝の空はドラマチックで、それでいて静かだ。
睡眠時間を長く撮るよりも、空を見る時間を長くとりたい。
この部屋に引っ越した時に少し高い家賃を払ってでも得たいと思ったものは、そういう時間だったのかもしれない。
すばらしい景色が見えると言われている観光地に行きたいと思う意欲が薄れたのは、東京にいて日々の生活を旅のように感じているからかもしれない。
そのしわよせか、生活のリズムが狂ってしまっていた。
その後の一週間でまたリズムが戻ってくると、外が明るくなると目が覚めるようになった。
早朝の空はドラマチックで、それでいて静かだ。
睡眠時間を長く撮るよりも、空を見る時間を長くとりたい。
この部屋に引っ越した時に少し高い家賃を払ってでも得たいと思ったものは、そういう時間だったのかもしれない。
すばらしい景色が見えると言われている観光地に行きたいと思う意欲が薄れたのは、東京にいて日々の生活を旅のように感じているからかもしれない。
701
モノクロの緑
息抜きの空
宝探しの続き
無意味なものを無意味なように撮ってみたくなる時がある。
考え抜いて撮る写真ばかりだと、息が詰まりそうになるからだろうか。
考え抜いて撮る写真ばかりだと、息が詰まりそうになるからだろうか。
宝探しのようなもの
美術館をはしご
朝から雨。
雨の日は東京都写真美術館。
東京に住むようになる前から何故かそうなることが多かった。
駅から濡れずに美術館まで行けるのがうれしい。
「昭和」写真の1945-1989 第3部 昭和30・40年代(2)「高度成長期」を見る。
以前「キュレーターズ・チョイス」、「鈴木理策：熊野、雪、桜」は見ていたのだが、これだけ見ていなかった。
時代の流れとともに整理されていて見やすい。
街の中に人が溢れている。
写されているもの、捉えようとしているものが社会的で、重い。
写真で表現することとジャーナリズムが切り離せない時代だったのかもしれない。
しかしこれだけ有名な作家のプリントが見られて500円は安い。
続いて国立新美術館にて「安齊重男の“私・写・録” 1970−2006」を見る。
覚悟はしていたが、圧倒的な量の多さに愕然とする。
70年代からの現代アートの最先端を、ずっと間近で見てきた人の写真だ。
記録写真なのだが、アーティストとの対話も含めて氏のプライベートな視線を感じる。
アーティストと一緒になって楽しんでいる空気が伝わってくる。
イサム・ノグチ、安藤忠雄、草間弥生、ジェームズ・タレル、宮島達夫男、クリスト、川俣正、奈良美智、、、、
現代美術に詳しい人なら誰もが見たことのある作品が、まさに作られている瞬間に立ち会っている人だ。
おもしろくないはずがない。
直島プロジェクトやファーレ立川など、実際に行ったことのあるものも多く、予想以上に楽しめた。
9割ぐらいがモノクロで、写真として美しいと思える作品も多かった。
これで1,000円は安い。
図録には全ての作品が収録されているわけではないが、作家自らがコメントをつけているものが多く、読んでいて楽しい。
こちらも2,000円は安いと感じた。
その後いくつか新しい作家の展示を見る。
東京都写真美術館と国立新美術館での展示が圧倒的過ぎて、何を見ても綺麗だけれど希薄な感じに見えてしまうため、じっくり見ずに日を改めることにした。
雨の日は東京都写真美術館。
東京に住むようになる前から何故かそうなることが多かった。
駅から濡れずに美術館まで行けるのがうれしい。
「昭和」写真の1945-1989 第3部 昭和30・40年代(2)「高度成長期」を見る。
以前「キュレーターズ・チョイス」、「鈴木理策：熊野、雪、桜」は見ていたのだが、これだけ見ていなかった。
時代の流れとともに整理されていて見やすい。
街の中に人が溢れている。
写されているもの、捉えようとしているものが社会的で、重い。
写真で表現することとジャーナリズムが切り離せない時代だったのかもしれない。
しかしこれだけ有名な作家のプリントが見られて500円は安い。
続いて国立新美術館にて「安齊重男の“私・写・録” 1970−2006」を見る。
覚悟はしていたが、圧倒的な量の多さに愕然とする。
70年代からの現代アートの最先端を、ずっと間近で見てきた人の写真だ。
記録写真なのだが、アーティストとの対話も含めて氏のプライベートな視線を感じる。
アーティストと一緒になって楽しんでいる空気が伝わってくる。
イサム・ノグチ、安藤忠雄、草間弥生、ジェームズ・タレル、宮島達夫男、クリスト、川俣正、奈良美智、、、、
現代美術に詳しい人なら誰もが見たことのある作品が、まさに作られている瞬間に立ち会っている人だ。
おもしろくないはずがない。
直島プロジェクトやファーレ立川など、実際に行ったことのあるものも多く、予想以上に楽しめた。
9割ぐらいがモノクロで、写真として美しいと思える作品も多かった。
これで1,000円は安い。
図録には全ての作品が収録されているわけではないが、作家自らがコメントをつけているものが多く、読んでいて楽しい。
こちらも2,000円は安いと感じた。
その後いくつか新しい作家の展示を見る。
東京都写真美術館と国立新美術館での展示が圧倒的過ぎて、何を見ても綺麗だけれど希薄な感じに見えてしまうため、じっくり見ずに日を改めることにした。
二匹の鳥
二匹の烏が飛んでいくのが見えた。
あのマンションの建設が始まる前、あそこには二階建ての古い長屋があった。
とてもいい空間だったのが、ある日突然壁が壊され、生活のにおいがむき出しになった。
その後マンションの建設が始まるまでは、あっという間だった。
空からの眺めはどんな風に変わったのだろう？
あのマンションの建設が始まる前、あそこには二階建ての古い長屋があった。
とてもいい空間だったのが、ある日突然壁が壊され、生活のにおいがむき出しになった。
その後マンションの建設が始まるまでは、あっという間だった。
空からの眺めはどんな風に変わったのだろう？
写真展をはしご
午後、中目黒のキャスパーズ・ギャラリーへ、ハービー山口写真展「1989年東欧 真冬に咲いた
花」を見に行く。
周囲の環境のせいか、ギャラリーに入ってくる人に若い人が多い。
撮られたテーマがシリアスなものだけに、効果的だと感じた。
シリアスなテーマなのにちゃんと「人」が写っている。
その間に挟まれた人の写っていない夜の写真に惹かれた。
単純に美しいというのもあるが、家の中にいる人が中で話をしている情景を想像したから、という理由の方が大きい。
中目黒の辺りはあまりゆっくりと歩いたことがなかった。
ふらふらと歩くと、何故か懐かしい気分に襲われた。
古い建物を工夫して創り上げた店、売っている雑貨、古いものであることに価値があるような雰囲気、並木道、川、、、、、
関西にいた頃によく通っていた西宮の夙川あたりや京都を思い出すからだろうか。
住んでみたいと思う街をまた一つ見つけた気分だ。
代官山を抜け、恵比寿へ向かう。
代官山の辺りは、学生の頃まだ大阪にいた頃から東京に来るたびに訪れていた。
学生の頃に少し背伸びをして買った靴は、まだ現役だ。
代官山を訪れるたびにその靴を買った店の前を通る。
入れ替わりの激しい地域なのにずっと店を構えていることに妙に安心する。
この辺りを歩いていていつも楽しいのは、住宅街でも店が点在していて、常に変化が起きているからではないか。
そしてお店があることで街を自分と関わりが深いものとして認識するからではないか。
そんなことを考えながら歩いていると、あっという間に恵比寿に着いた。
さらに恵比寿から渋谷まで歩き、ルデコに向かう。
グループ展で在廊していた際に、「来週6階で二人展やるんです」とDMを渡してくれた人の展示を見に行くためだ。
行ってみると予想以上に人がたくさん入っていて、ゆっくり話すことはできなかったが、良いものを見せてもらった。
1週間も毎日のように通った場所だけに、なんだか懐かしい感覚を覚える。
その後表参道のラットホールギャラリーへ。
Anders Petersen「Café Lehmitz」を見る。
被写体となった人が撮影者を意識して撮られている写真よりも、意識されずに撮られている写真の方が良いと感じた。
多くは意識している写真なので、ハービーさんの展示と同じく間に挟まれていることの効果だろうか。
その後いつものように写真集を取り扱っている書店を巡回。
新しく刊行された写真集をたくさん見た後にアーバスやアヴェドンの写真を見ると、一冊に詰まっているものの重さの違いに驚く。
文学でも同じ傾向にあると感じるのは、時代のせいなのだろうか。
花」を見に行く。
周囲の環境のせいか、ギャラリーに入ってくる人に若い人が多い。
撮られたテーマがシリアスなものだけに、効果的だと感じた。
シリアスなテーマなのにちゃんと「人」が写っている。
その間に挟まれた人の写っていない夜の写真に惹かれた。
単純に美しいというのもあるが、家の中にいる人が中で話をしている情景を想像したから、という理由の方が大きい。
中目黒の辺りはあまりゆっくりと歩いたことがなかった。
ふらふらと歩くと、何故か懐かしい気分に襲われた。
古い建物を工夫して創り上げた店、売っている雑貨、古いものであることに価値があるような雰囲気、並木道、川、、、、、
関西にいた頃によく通っていた西宮の夙川あたりや京都を思い出すからだろうか。
住んでみたいと思う街をまた一つ見つけた気分だ。
代官山を抜け、恵比寿へ向かう。
代官山の辺りは、学生の頃まだ大阪にいた頃から東京に来るたびに訪れていた。
学生の頃に少し背伸びをして買った靴は、まだ現役だ。
代官山を訪れるたびにその靴を買った店の前を通る。
入れ替わりの激しい地域なのにずっと店を構えていることに妙に安心する。
この辺りを歩いていていつも楽しいのは、住宅街でも店が点在していて、常に変化が起きているからではないか。
そしてお店があることで街を自分と関わりが深いものとして認識するからではないか。
そんなことを考えながら歩いていると、あっという間に恵比寿に着いた。
さらに恵比寿から渋谷まで歩き、ルデコに向かう。
グループ展で在廊していた際に、「来週6階で二人展やるんです」とDMを渡してくれた人の展示を見に行くためだ。
行ってみると予想以上に人がたくさん入っていて、ゆっくり話すことはできなかったが、良いものを見せてもらった。
1週間も毎日のように通った場所だけに、なんだか懐かしい感覚を覚える。
その後表参道のラットホールギャラリーへ。
Anders Petersen「Café Lehmitz」を見る。
被写体となった人が撮影者を意識して撮られている写真よりも、意識されずに撮られている写真の方が良いと感じた。
多くは意識している写真なので、ハービーさんの展示と同じく間に挟まれていることの効果だろうか。
その後いつものように写真集を取り扱っている書店を巡回。
新しく刊行された写真集をたくさん見た後にアーバスやアヴェドンの写真を見ると、一冊に詰まっているものの重さの違いに驚く。
文学でも同じ傾向にあると感じるのは、時代のせいなのだろうか。
秋空夏雲
Shuttered
写真集を買う基準
渡部さとる師匠から、展示期間中はできるだけ在廊する方がいい、と言われていた。
自分の写真と向き合う時間が取れて、良い面も悪い面も見えてくる。
そして次にやるべきことが見えてくる、そう言われていた。
実際に次にやるべきことが具体的に見えてきたかと言うとそれほど明確ではないのだが、やはりいろいろな収穫があった。
プリントすること、それを壁にかけて人に見てもらうこと、そこから生まれる意識の変化は計り知れない。
そしてグループ展は共同作業の楽しさがあるが、次にやるべきは個展だな、との思いも強くなった。
在廊している間、平日の昼間などは来客もまばらだ。
その間何をしているかというと、自分の写真を見つめたり、人の写真を見つめたり、ブックを繰り返し眺めたり。
ブックを見ながら、自分が写真集を買う基準について考えてみた。
■一冊を通して一貫した”筋”が通っていること。
”筋”というのがあいまいな表現だが、要するにその一冊を通じて明確な作者の意図なり作風なりが出ているか、ということ。
一枚のすばらしい写真が入っていたとしても、全体を総体として見たときにすばらしいと思えなければ、買わない。
実はこれは音楽のアルバムを買うときの基準と全く同じだ。
アルバム全体の”色”を崩すような曲が1曲でも入っていると買わない。
■その”筋”が自分の感覚と共感できること。
色彩でも距離感でも物語でも、なんでもいいから一貫しているものが自分の感覚と共感できるかどうか。
■他に存在しないこと。
いくら共感できても、既に別の作家が創り上げたものであれば、新たに買う必要性を感じない。
■自分には真似できないこと。
これは到底自分にはまねできない、と思う何かが写っていれば、所有したいという意欲がわく。
■自分の感覚に近いこと。
言葉でうまく説明できないものでも、感覚が近いと思えることがある。
その場合は何がそう感じさせるのかを分析する目的も含めて、買うことがある。
そんなことを思いながらブックを眺めていた。
もちろん自分のブックも。
何度か書いているように、今回の作品はブックをメインとして作ってきた。
自分のブックを見ていて、これ以上やりようがないと思えるほどに完成したと自負している。
書店で手に取ったら買うだろうな、と思えた（当たり前と言えば当たり前だが、、、）。
パーティ前の講評で師匠から「ブックが好きだ」というお言葉をもらったのが何よりうれしかった。
自分の写真と向き合う時間が取れて、良い面も悪い面も見えてくる。
そして次にやるべきことが見えてくる、そう言われていた。
実際に次にやるべきことが具体的に見えてきたかと言うとそれほど明確ではないのだが、やはりいろいろな収穫があった。
プリントすること、それを壁にかけて人に見てもらうこと、そこから生まれる意識の変化は計り知れない。
そしてグループ展は共同作業の楽しさがあるが、次にやるべきは個展だな、との思いも強くなった。
在廊している間、平日の昼間などは来客もまばらだ。
その間何をしているかというと、自分の写真を見つめたり、人の写真を見つめたり、ブックを繰り返し眺めたり。
ブックを見ながら、自分が写真集を買う基準について考えてみた。
■一冊を通して一貫した”筋”が通っていること。
”筋”というのがあいまいな表現だが、要するにその一冊を通じて明確な作者の意図なり作風なりが出ているか、ということ。
一枚のすばらしい写真が入っていたとしても、全体を総体として見たときにすばらしいと思えなければ、買わない。
実はこれは音楽のアルバムを買うときの基準と全く同じだ。
アルバム全体の”色”を崩すような曲が1曲でも入っていると買わない。
■その”筋”が自分の感覚と共感できること。
色彩でも距離感でも物語でも、なんでもいいから一貫しているものが自分の感覚と共感できるかどうか。
■他に存在しないこと。
いくら共感できても、既に別の作家が創り上げたものであれば、新たに買う必要性を感じない。
■自分には真似できないこと。
これは到底自分にはまねできない、と思う何かが写っていれば、所有したいという意欲がわく。
■自分の感覚に近いこと。
言葉でうまく説明できないものでも、感覚が近いと思えることがある。
その場合は何がそう感じさせるのかを分析する目的も含めて、買うことがある。
そんなことを思いながらブックを眺めていた。
もちろん自分のブックも。
何度か書いているように、今回の作品はブックをメインとして作ってきた。
自分のブックを見ていて、これ以上やりようがないと思えるほどに完成したと自負している。
書店で手に取ったら買うだろうな、と思えた（当たり前と言えば当たり前だが、、、）。
パーティ前の講評で師匠から「ブックが好きだ」というお言葉をもらったのが何よりうれしかった。
壊し続けること
自分の写真を1週間眺めていると、ある程度特徴が見えてくる。
今回展示した作品に限らず普段撮っている写真においても、どうも”決まり”過ぎているように思う。
あまり羽目をはずしていない感じなのだ。
「几帳面な性格が出ている」と指摘してくれた人がいたが、そのとおりだと思った。
写真は全てさらけだすことなのだとあらためて痛感。
何度か書いているが、やはりG2用の35mmPlanar＋モノクロは非常に良い。
ポジでしか撮ったことがなかった時は、45mmのPlanarなどと比べて解像感に乏しい印象を持っていたが、モノクロで使うと非常に丁寧な描写をする。
どことなく品がある。
コントラストが激しくないためか、暗部がめったにつぶれない。
しかも市場価格2万円前後で買える。
目下モノクロで撮っていて一番好きなレンズだ。
今回展示した作品に限らず普段撮っている写真においても、どうも”決まり”過ぎているように思う。
あまり羽目をはずしていない感じなのだ。
「几帳面な性格が出ている」と指摘してくれた人がいたが、そのとおりだと思った。
写真は全てさらけだすことなのだとあらためて痛感。
距離感や構図の癖などは持って生まれた性格に近い部分もあるため、意識的に壊そうとしなければ変わらない。
無理に壊す必要があるかどうかは別として、自らの器や引き出しを広げるためには安住せずに壊し続けることも必要だろうと思う。
自らのよりどころとする哲学までを根底から壊す必要はないが、優れたアーティストが常に自分自身を壊し続けることにパワーを注いでいるように、新しい自分を見つけ続けられたらな、と思う。
無理に壊す必要があるかどうかは別として、自らの器や引き出しを広げるためには安住せずに壊し続けることも必要だろうと思う。
自らのよりどころとする哲学までを根底から壊す必要はないが、優れたアーティストが常に自分自身を壊し続けることにパワーを注いでいるように、新しい自分を見つけ続けられたらな、と思う。
ポジでしか撮ったことがなかった時は、45mmのPlanarなどと比べて解像感に乏しい印象を持っていたが、モノクロで使うと非常に丁寧な描写をする。
どことなく品がある。
コントラストが激しくないためか、暗部がめったにつぶれない。
しかも市場価格2万円前後で買える。
目下モノクロで撮っていて一番好きなレンズだ。
曇天裏街
写真の間
グループ展での同じフロアの他の人の展示は、6×6、6×7横、35mmパノラマ横、35mm縦、35mm縦とフォーマットが多彩だった。
長年35mmで撮りつづけていることもあり、やはり35mmのフォーマットがしっくりくる。
6×6は1枚づつが完結している感じ。
6×7は広がりを感じる。
35mmパノラマは視界の広さに近いと感じ、じっと眺めていると中に入り込んでいくような感覚を持つ。
35mm縦は1枚1枚が断定的な印象を受ける。
今回自分の展示を35mm横に決めたのは、流れを作りたかったから。
ブックにしても展示にしても、横長の方が流れていくイメージにつながりやすい。
普段は縦位置で撮ることが多いのだが、今回は撮影時点からある程度意識して横位置で撮っていた。
横位置の写真が横一列に並ぶと、意識する／しないに関わらず隣の写真との間につながりが生まれる。
その間に流れる時間や出来事を想像することができきるのは、映像作品との大きな違いだ。
初日、横木さんに頂いたコメントでもそのことに触れられていた。
そして写真の間の出来事や場面に対する、想像力の働かせ方の違いについても話が及んだ。
見る側にどれだけの部分を想像させるのか、という話だ。
あまりに関連性のないように見える写真を並べても、見る側は想像することを停止してしまう。
逆に関連性の深い写真同士を並べても、説明的になりすぎて想像が広がらない。
とても感覚的な話で、正解はない。
映画が好きか小説が好きか、ということと似ているような気がする。
長年35mmで撮りつづけていることもあり、やはり35mmのフォーマットがしっくりくる。
6×6は1枚づつが完結している感じ。
6×7は広がりを感じる。
35mmパノラマは視界の広さに近いと感じ、じっと眺めていると中に入り込んでいくような感覚を持つ。
35mm縦は1枚1枚が断定的な印象を受ける。
今回自分の展示を35mm横に決めたのは、流れを作りたかったから。
ブックにしても展示にしても、横長の方が流れていくイメージにつながりやすい。
普段は縦位置で撮ることが多いのだが、今回は撮影時点からある程度意識して横位置で撮っていた。
横位置の写真が横一列に並ぶと、意識する／しないに関わらず隣の写真との間につながりが生まれる。
その間に流れる時間や出来事を想像することができきるのは、映像作品との大きな違いだ。
初日、横木さんに頂いたコメントでもそのことに触れられていた。
そして写真の間の出来事や場面に対する、想像力の働かせ方の違いについても話が及んだ。
見る側にどれだけの部分を想像させるのか、という話だ。
あまりに関連性のないように見える写真を並べても、見る側は想像することを停止してしまう。
逆に関連性の深い写真同士を並べても、説明的になりすぎて想像が広がらない。
とても感覚的な話で、正解はない。
映画が好きか小説が好きか、ということと似ているような気がする。
大塚
私的な視線、撮りつづけること
今回のグループ展で展示した写真には、親しい友人が写っている。
写っているというよりも、その友人が主役だ。
ごくごく私的な関係を撮った写真だが、そこに普遍的な何かが含まれていると考えている。
パーソナルな視点であればあるほど具体性を帯び、より普遍的であり続けられるのではないか。
そんなことを考えていた。
モノクロの小部屋に飾られた僕の作品とHさんの作品には、そういう私的な視線が含まれている。
私的な視線による写真が芸術作品として成立することを示したのは、ロバート・フランクやウィリアム・クラインだ。
渡部さとる師匠があのモノクロ部屋の入り口にクラインを飾ってくれたのは、あの部屋全体をそういう作品で埋め尽くしてみたい、との意図があったのではないか。
毎日のようにクラインの作品と、師匠によるキャプションを読んでいてそう思った。
ネパールを旅した時、カトマンズの喧騒の中、下半身を無くした物乞いの人を何度も見かけた。
街行く人は特に気にかける様子もなく、ごく自然なことのように溶け込んでいた。
心が突き動かされ、写真に撮るべきではないかとの思いが走る。
結局レンズを向けることはできなかった。
軽はずみなジャーナリズムで撮った写真が何を生むというのか？
僕には自分と自分の周りにいる人が幸せになれるような写真しか撮れない。
社会的な善悪を問うような大きなテーマで作品を作っていくこともできないだろう。
でも身近な、誰もが当たり前だと思っているような小さな出来事を丹念にすくい取るような写真にも、撮り続ける意味はあるはずだ。
クラクションが鳴り響く喧騒の中、約１0年前の僕が悟った小さな決意。
写真を撮って、現像して、ベタ焼きやスキャンをとって、セレクトして、プリントを何度も何度も重ねる。
その間何度も何度も友人のことを見て、いろいろなことを思い出していた。
愛とか恋とかそういうことでなく、その人のことを、人間を好きでなければ、作品として仕上げるだけのモチベーションはとうてい保てない。
写真を撮るということは、その人のことを好きであり続けることなのかもしれない。
いろんな奇跡の上に成り立っている瞬間を、愛しいと思うことなのかもしれない。
それは街を撮っている時のスタンスとしても同じだ。
少なくとも僕にとっての写真とは、そういう極私的なものなのだ。
そしてその中に含まれる普遍的なものを探り続けるために、これからも写真を撮りつづけるのだと思う。
写っているというよりも、その友人が主役だ。
ごくごく私的な関係を撮った写真だが、そこに普遍的な何かが含まれていると考えている。
パーソナルな視点であればあるほど具体性を帯び、より普遍的であり続けられるのではないか。
そんなことを考えていた。
モノクロの小部屋に飾られた僕の作品とHさんの作品には、そういう私的な視線が含まれている。
私的な視線による写真が芸術作品として成立することを示したのは、ロバート・フランクやウィリアム・クラインだ。
渡部さとる師匠があのモノクロ部屋の入り口にクラインを飾ってくれたのは、あの部屋全体をそういう作品で埋め尽くしてみたい、との意図があったのではないか。
毎日のようにクラインの作品と、師匠によるキャプションを読んでいてそう思った。
ネパールを旅した時、カトマンズの喧騒の中、下半身を無くした物乞いの人を何度も見かけた。
街行く人は特に気にかける様子もなく、ごく自然なことのように溶け込んでいた。
心が突き動かされ、写真に撮るべきではないかとの思いが走る。
結局レンズを向けることはできなかった。
軽はずみなジャーナリズムで撮った写真が何を生むというのか？
僕には自分と自分の周りにいる人が幸せになれるような写真しか撮れない。
社会的な善悪を問うような大きなテーマで作品を作っていくこともできないだろう。
でも身近な、誰もが当たり前だと思っているような小さな出来事を丹念にすくい取るような写真にも、撮り続ける意味はあるはずだ。
クラクションが鳴り響く喧騒の中、約１0年前の僕が悟った小さな決意。
写真を撮って、現像して、ベタ焼きやスキャンをとって、セレクトして、プリントを何度も何度も重ねる。
その間何度も何度も友人のことを見て、いろいろなことを思い出していた。
愛とか恋とかそういうことでなく、その人のことを、人間を好きでなければ、作品として仕上げるだけのモチベーションはとうてい保てない。
写真を撮るということは、その人のことを好きであり続けることなのかもしれない。
いろんな奇跡の上に成り立っている瞬間を、愛しいと思うことなのかもしれない。
それは街を撮っている時のスタンスとしても同じだ。
少なくとも僕にとっての写真とは、そういう極私的なものなのだ。
そしてその中に含まれる普遍的なものを探り続けるために、これからも写真を撮りつづけるのだと思う。